走進《ELEVEN》

走進Tamás Waliczky的個展《ELEVEN》[1]，迎面是一個在方盒裏不斷翻滾的木偶。它跌落、轉身、碰撞，彷彿永遠找不到一個可以安定下來的位置。

再往展場深處走，十一件電腦動畫以大型投影沿着牆壁展開，影像從地面一直伸展至牆頂。窗外的陽光、幾棵樹、天橋上的行人、一頓飯、一座花園、一片片葉，在昏暗的空間裏各自發散著微光，灑落滿地的色彩；站在展場中央，觀眾不知不覺間便被這片流動的光影所包圍。

然而，這個佈滿電腦動畫的空間卻異常安靜。聲音被刻意拿走，讓觀眾能純粹地置身於光影與畫面的律動之中。作品大致依創作時間排列，三個反覆出現的人形木偶穿插其間，如同展覽中的幾處停頓，悄悄重塑著觀看的節奏。

展覽於今年九月在香港舉行，作品是藝術家於2020至2025年間完成的作品，這也是它們首次在香港展出。策展人Anna Szepesi長年擔任Waliczky的藝術顧問，從早期至今一直深度參與他的創作與藝術對話。

這位來自匈牙利的藝術家自1980年代起便以電腦創作。數十年來科技不斷演進，他使用的媒介與方法持續蛻變，但始終未變的，是他對觀看的好奇：「我們以什麼角度去看眼前的世界？」也許正因如此，踏入展覽，首先感受到的未必是科技，而是一個身體如何跌落、一棵樹如何觀看外界、窗外的陽光如何挪移，以及當我們換個角度後，眼前熟悉的日常會呈現出何種新貌。

觀看一：日常景觀的錯置與重構

入口的〈木偶與重力〉（Puppet and Gravity，2020），是一件電腦模擬人體運動的作品。一個人形木偶置放於個四方盒子中，盒子隨機轉動，木偶在重力牽引下不斷跌落、翻滾，軀體折射出各種姿態。盒子外面的我們看着盒子內發生的一切，木偶卻無法窺見外面的世界。有意思的是，這件技術複雜的作品，使用的卻是免費開源的3D電腦繪圖軟體Blender。對Waliczky而言，科技是否新穎、先進或昂貴從來不是首要考量，能否精準呈現腦海中的構想才是關鍵。

離開盒子裏的木偶，眼前出現了一系列以香港地區命名的作品，地名是具體的，畫面卻抽離了大家所熟知的城市地標。Waliczky的創作向來源於自身生活體驗，身邊的人和事物、日常的景致，乃至偶然出現的念頭，都可能成為創作的開始。疫情幾年間他常駐香港。石硤尾的公園、尖沙咀的三棵樹、旺角東天橋上的行人，還有家中窗外的高樓，都是他生活中的熟悉光景，也先後成為創作的題材。從這些日常出發，他不斷切換觀看視角，眼前熟悉的世界展現出不一樣的面貌。

〈石硤尾公園景觀〉（View on Shek Kip Mei Park，2016-2021）的影像早在2016年拍下。那一個月裡，他每天在家中拍攝窗外的公園。白天人車穿梭；夜晚運動場燈光明亮，樹影投射進室內。這批影像素材沉澱至2021年，他才找到適切的轉譯方法把作品完成。〈尖沙咀海濱的樹〉（Tsim Sha Tsui Seaside Trees，2021）則取材自他喜愛的一家餐廳露台前的三棵樹。曾經有書籍提到樹的根部猶如樹木的大腦[2]，這一觀點給了他創作的啟發。動畫中，樹木被上下倒轉，根部直指天空。相較於能存活數百年的樹木，人類的生命顯得短暫；如果從樹的角度來看，人也不過如螞蟻般渺小而匆促。於是，畫面中的行人被加速、不斷重複，三棵樹則靜立原處，靜靜看著人世間的熙熙攘攘。

這種觀看維度也延伸到疫情中的旺角東。疫情期間人們經常需要接受體溫等檢測，身體的狀況被感應器讀取化成數字或不同的顏色。在〈旺角東天橋上的幻象〉（Vision on Mong Kok East Footbridge，2023）中，Waliczky把這段特殊經驗與香港經典的霓虹印象放在一起。行人的軀體逐漸暗淡、消逝，最後僅留下附着於身體的彩色光線，彷彿人的存在已被徹底抽象化為可讀取的數據。製作時，市售的動態追蹤(motion tracking)軟件無法處理天橋上密集的人流，於是他自行搭建了一套3D追蹤系統。〈我家窗外旺角的陽光〉（Sunlight in Mong Kok Viewed from My Window，2022）則是疫情中的另一種日常。長時間在家工作，他拍下窗外不同時刻的高樓、天空和陽光，再把一幢幢建築從照片中去背分離，放進三維空間。在這裡，時間不再按線性推進，透視也被顛倒：近處的樓宇移動緩慢，遠處的建築反而移動得更快。熟悉的城市景象，就在這些錯置之間，產生了某種陌生的距離感。

這幾件作品皆萌芽於香港的日常景象；藝術家透過電腦影像轉換技術，賦予了現實另一種觀看維度。

觀看二：軀體的牽引與經驗的交疊

走過幾件香港議題的作品，人的身體再次出現。

在〈懸浮身體研究〉（A Study on the Suspended Body，2024）中，一個人形木偶被懸空吊掛，四肢與軀幹受著外力牽引，形成各種難以自主的姿態。這些動作是由電腦根據物理力學與身體結構實時演算而成。Waliczky刻意使用強烈而不自然的配色，讓觀眾意識到眼前並不是真實的人體，而是一個由演算法構築、遵循自身物理法則的虛擬世界。可是，這些反覆出現的人形，呈現的似乎不僅是自身肉體的運動，也讓人聯想到一種受到外在力量拉扯、難以完全自主的處境。

再往前走的作品〈與食物的自畫像〉（Self-Portrait with Food，2022），源自三百多張在香港餐廳拍攝的食物照片。香港人習慣在用餐前「讓相機先食」，這種日常與藝術家過去在歐洲的生活經驗大相徑庭。作為一個在香港生活多年的西方人，他對當地的飲食文化既感到好奇，同時也體會到某種文化差異與距離感。因此，這件作品不是對香港飲食的記錄，而是一幅關於藝術家自身處境的「自畫像」。三百多張照片在畫面中不斷變形、重組與交疊。這種稱為「影像變形」（Morphing）的動畫技術，Waliczky早年便已深入探索，甚至曾與好友Imre Kovács自行開發相關軟體。到了這件作品，他更進一步發展出「分層變形」（layer-morph），讓不同深度的影像各自獨立變化。香港的飲食圖象與他個人的在地生活經驗，便在這些層次分明的形變中交織重疊。

〈花園裏盪鞦韆〉（Swinging in the Garden, 2021）則回到藝術家熟悉的家中花園。這一次，他切換至孩童的視角，想像坐在鞦韆上隨身體擺蕩時所看見的世界。為了重現這種視角，他從不同高度與角度拍攝花園景致，再透過3D技術重新拼貼組合。這也讓人想到Waliczky年輕時第一次使用Rolleiflex的經驗。透過觀景器，他看見一個上下倒轉、縮小了的世界，原本熟悉的景物忽然變得稀奇，甚至比現實更加迷人。

觀看三：影像、文字與AI時代的思考

展覽來到尾聲，第三個身體再次出現。〈自由落體（紀念P. F.）〉（Free Fall (In Memoriam P. F., 2024）中，一個人形木偶不斷向下墜落，背景影像卻逆向往上升起。作品是藝術家向匈牙利動畫藝術家Peter Földes致意，創作靈感來自Földes經典動畫《飢餓》（Hunger, 1974）[3]中一段身體墜落的片段。策展人Szepesi特別解釋這一升一降的對立運動：「當視線在下墜的身體與上升的背景之間游移時，原本清晰的方向感便開始產生錯覺，帶來一種詭譎的空間體驗。」

隨著展覽步入後段，作品中的具體地名逐漸淡去。先前作品多與特定地方緊密連結，到了〈葉〉（Leaves, 2025），作品雖源於Waliczky在維也納圖爾肯尚茨公園（Türkenschanzpark）的一次秋日散步，公園的名稱卻被隱去，僅留下純粹的「葉」。再往前走，到了展覽最後一件作品，連「葉」的形象也徹底消融，只剩下一個字「green」。

在〈「綠」這個字〉（The Word Green, 2025）中，畫面被簡化至僅剩綠與黑。不同字體大小、不同深淺的「green」在黑色背景中層層堆疊，遠觀如同一片鬱鬱蔥蔥的森林，細看才發現，那些看似枝葉的線條，全是Waliczky親手寫下的「green」。這件作品深刻反映了藝術家對生成式AI的思考。在AI普及的今天，一段提示詞（Prompt）即可生成極具視覺衝擊的影像，彷彿只要將想法轉化為文字，藝術便能信手拈來。然而，藝術家的創作真能如此輕易地被轉譯與替代嗎？

Waliczky表示：「簡單的文字指令遠不足以傳達藝術家內心真正想表達的微細感受、情感經驗與審美判斷。」他選擇不將「green」交給AI算圖，而是先在紙上一筆一畫寫下各種姿態的「green」，再將這些帶有手寫溫度的字跡導入電腦影像中。一個簡單的字，在他的畫面裡重複、交織，最終匯聚成眼前的茂密森林。

結語：科技與創作之間

與電腦一起創作四十多年，電腦科技早已滲透進Waliczky的創作思維。他精通軟體操作，也有能力解決複雜的技術難題，卻從不以技術的新舊或先進程度來衡量作品的成效。現成的工具合用，他便使用；市面工具無法滿足構想，他便自己開創軟體與演算法。對他來說，選擇何種科技，永遠服膺於創作本身。

這種態度貫穿了整個《ELEVEN》展覽。〈木偶與重力〉使用免費開源的3D電腦繪圖軟體；面對〈旺角東天橋上的幻象〉中現成追蹤軟體無法處理的高密度人流，他自行開發3D系統；到了〈與食物的自畫像〉，所運用的「分層變形」的動畫技術則是延續了他數十年來對「影像變形」技術的探索。工具隨著時代遞嬗，但真正推動作品核心的，始終是他想要打造出何種視覺體驗的初心。

生成式AI的浪潮將這個根本問題再次推向當下。藝術家並不排斥新科技，但也從不盲目擁抱。科技確實能拓展創意的邊界，但對他而言，一件作品最具靈魂的部分，依然來自藝術家自身的感知、思考與判斷。

回頭審視《ELEVEN》，我們所觀看到的，其實都是極其平凡的生活碎片：窗外的陽光、幾棵日常樹木、天橋上匆匆過客、一頓尋常便飯、一座熟悉的家庭花園。這些平凡景物在融入電腦影像後，時間、空間與觀看的坐標被重新解構與組合，進而煥發出全然不同的生命力。視線從人類移向樹木，從自我移向孩童；身體向下墜落，背景逆勢上升；一個簡單手寫的字「green」，最終蔓延成一片森林。

現實的世界沒有改變，只是當我們換個位置、換個角度去審視，世界便展現出無限可能的模樣。

或許藝術的意義，不在於告知我們世界是什麼，而在於讓我們重新觀看世界。

展覽：《ELEVEN》是匈牙利媒體藝術家Tamás Waliczky的個展，於2026年9月8日至24日在香港城市大學創意媒體學院M3301畫廊舉行。展覽呈現十一件電腦動畫作品，均為首次在香港展出。

藝術家：Tamás Waliczky是匈牙利重要的新媒體藝術家及電腦動畫先驅之一，自1980年代開始以電腦進行藝術創作，長期探索科技如何改變人類的觀看與感知方式。他自2010年起於香港城市大學創意媒體學院（SCM）擔任教授，現為該院兼任教授。他的作品曾在世界各地重要美術館及媒體藝術機構展出，並獲奧地利電子藝術節（Prix Ars Electronica）等國際獎項。2019年，他代表匈牙利參加第58屆威尼斯雙年展，於匈牙利館展出一系列《虛構攝影機》（Imaginary Cameras，2016-2019），重新思考攝影機、視覺與現實之間的關係。

策展人：奧地利籍的Anna Szepesi是一位藝術史學者、策展人及文化人類學者。她長期深耕於新媒體藝術領域，自1980年代起便與媒體藝術家Tamás Waliczky緊密合作，擔任其多項國際展出的藝術顧問。她曾先後在布達佩斯、香港及歐洲等地策劃前沿的電腦動畫與視覺藝術展，將深厚的學術根基轉化為兼具歷史洞察與科技創新的展覽實踐。

---

[1] 展覽原本名字《ELEVEN》，中文翻譯為《拾壹》。

[2] Waliczky 沒有提及書名，但可能是德國森林看守兼作家 Peter Wohlleben 所著的《樹的秘密生命》（The Hidden Life of Trees, 2015）。Wohlleben 在書中曾提出，樹木相當於「大腦」的部分，或許就在根部。

[3] Hunger是1974年加拿大國家電影局出品的經典短片。導演Peter Földes是匈牙利動畫藝術家，運用早期電腦關鍵幀技術（Keyframe），以不斷形變的線條無對白描繪主角對飲食與物欲的無限貪婪，辛辣諷刺消費主義並反思全球貧富差距，榮獲坎城評審團獎及奧斯卡最佳動畫短片提名。